16 juin 2022

Il y a eu un écart de quatre ans entre cet album « PHALARIS » et le précédent. Pendant cette période, il y a eu aussi le coronavirus, quelle était l’idée derrière les activités de DIR EN GREY?

Toshiya: Le corona était quelque chose que personne n’avait imaginé, mais je pense que c’était aussi un tournant pour moi. Par exemple, « Withering to death » (2005), qui nous a conduit à partir à l’étranger, et « DUM SPIRO SPERO » (2011), qui est né l’année du tremblement de terre, sont des tournants pour nous. La production de « DUM SPIRO SPERO » me laisse encore une impression, je me suis sérieusement demandé si on pouvait continuer à faire de la musique dans ces conditions, si on pouvait composer des albums. Et maintenant, le problème du corona a éclaté à l’échelle mondiale. Nous pensions que, pour le dire froidement, « au final, tout ce que nous pouvons faire, c’est de la musique ». En même temps, s’il y a ne serait-ce qu’une personne qui attend que nous jouions de la musique, alors notre musique peut être un espoir pour elle. Je pense que c’est ainsi que nous avons poursuivi nos activités musicales.

Dans ce désir d’apporter de l’espoir aux gens en tant que DIR EN GREY, ça signifie que l’accent a été mis sur la production?

Toshiya: Oui c’est ça. J’ai l’impression que nous avons fait ce que nous pouvions faire pour les gens qui l’attendaient. Dans mon esprit, un album est comme la thèse de fin d’études d’un étudiant. « Faites une synthèse de ce que vous avez vécu pendant les années où vous n’avez rien produit jusqu’à maintenant. » je pense que c’est le sens d’un album. C’est pourquoi je suis attaché émotionnellement à tous les albums. Nous avons réalisé cet album après avoir soigneusement examiné ce que chaque membre avait pensé au cours des quatre années écoulées depuis notre dernier album « The Insulated World », quelle direction nous voulions donner au groupe et ce que nous voulions faire.

Je vois. Quand avez-vous commencé à travailler sur cet album ?

Toshiya: Immédiatement après la sortie du dernier album, nous avons commencé à écrire des chansons petit à petit pour constituer notre stock. Cependant, même après que chaque membre ait sorti une chanson, celle-ci a tellement changé qu’au moment où nous sommes arrivés au line-up final, tout avait été remplacé. Nous avons pu consacrer beaucoup de temps à la production de cet album, mais si nous avons du temps, nous l’utilisons (rires).

Quelles réflexions et quels concepts ont été mis en œuvre dans cet album?

Toshiya: Comme nous avons essayé plusieurs choses depuis le début du groupe, le sound taste a complètement changé avec le dernier album « ARCHE » (2014), il a l’air un peu plat, ou plutôt on sent qu’on voulait commencer un nouveau DIR EN GREY à partir de ce moment. Avec The Insulated World, nous avions le sentiment qu’il s’agissait de l’étape suivante, et avec cet album, nous avons cherché à donner une impression différente de celle des albums récents. Mais je ne pense pas que l’essence de ce que nous faisons ait changé. Donc pour moi, il y a des parties des chansons et des phrases de basse qui sont quelque peu nostalgiques.

Qu’entendez-vous par « nostalgiques »?

Toshiya: Les personnes qui écrivent la musique et celles qui l’arrangent ne changent pas. C’est une atmosphère familière, c’est difficile à expliquer avec des mots, mais c’est quelque chose comme ça. Je suis conscient des nouveaux arrangements et développements, mais je ressens également un sentiment de nostalgie ici et là, et il y a des parties où je pense « j’ai déjà fait cette technique auparavant ». Nous essayons de changer les choses, mais au final, les personnes qui font les chansons sont les mêmes, il y a donc une limite. Il est important d’essayer différentes choses et de changer les choses, mais il n’est pas bon de forcer le changement, et je veux supprimer tout ce qui ne me ressemble pas quand j’écoute.

Je vois. Personnellement, j’ai l’impression que cet album comporte plus d’éléments métalliques et hardcore par rapport à vos travaux récents, était-ce quelque chose que vous aviez en tête en tant que groupe ?

Toshiya: Nous n’avions pas explicitement prévu de le faire, mais cela s’est produit au fur et à mesure, ou certains des changements n’étaient pas intentionnels. Nous voulons changer mais il n’y a qu’un nombre limité de choses que nous voulons faire, donc nous devons contrôler ces éléments. Si nous ne le faisons pas notre noyau deviendra flou. Mais au fur et à mesure que nous avançons, il y a des moments où nous nous demandons « Est-ce vraiment le bon développement? » ou « Est-ce la bonne phrase? », mais en fin de compte, il y a beaucoup de parties sur lesquelles nous ne pouvons rien faire. Donc je pense que ce qui ressort après ces questionnements est la bonne réponse. En ce qui concerne mon propre jeu de basse sur cet album, j’ai mis l’accent sur le fait que je voulais mettre mes propres éléments tout en gardant un son de base.

L’album s’ouvre sur « Schadenfreude », un morceau de 9 minutes. Cette chanson est un vrai régal pour les oreilles, avec votre phrasé caractéristique, bas et rampant, qui se faufile entre les épaisses guitares.

Toshiya: En fait, le son principal de cette chanson est constitué par les riffs, donc je pense qu’il faut incorporer le mouvement tout en faisant correspondre les riffs. Le son grave de la basse est probablement difficile à reconnaître pour l’auditeur moyen, mais je pense que c’est important. Je pense que la partie la plus intéressante de l’instrument de basse est que c’est un instrument qui produit un son de basse non identifiable, et au moment où sa présence disparaît, il nous manque. En d’autres termes, le « truc » de la chanson est différent sans la basse. J’ai été capable de créer ce genre de présence dans cette chanson.

En ce qui concerne le son de la basse, il a une présence solide et un son de distorsion qui correspond à la guitare et à la grosse caisse, ce qui selon moi est le « son Toshiya ». Le cœur de votre production sonore est-il Le Bass de Two Notes (préampli) ?

Toshiya: En effet. Le Bass est une nécessité, surtout lors des concerts. Ce qui est génial, c’est que vous pouvez obtenir ce son partout où vous allez. Ainsi, même si vous jouez dans un environnement inconnu à l’étranger, vous pouvez développer votre son jusqu’à un certain niveau. C’est une pédale d’effets bien faite. Elle est compacte. Pour l’enregistrement, j’ai également utilisé les amplis Sands (DI/préampli pour le pilote de basse) et le matériel de type rack de Two Notes.

J’ai trouvé que les longues tonalités de la basse sur « Oboro » étaient très efficaces. Au milieu de tout cela, vous incorporez également des mouvements mélodiques, comme des fills entrelacés avec les cordes, avez-vous également tenu compte de la compatibilité avec de tels instruments?

Toshiya: Oui, c’est une partie à prendre en compte. Si la basse est la boule blanche, les instruments qui l’entourent sont libres en un sens. J’aime garder cela comme point de référence, et parfois ajouter des phrases mélodiques à divers endroits. Donc dans mon esprit, c’est une ligne de basse classique.

Dans un mouvement impressionnant, la mélodie A de « The Perfume of Sins » est développée avec une approche large du manche, ça ressemblait à l’image d’une basse chantant sur le « ura » de la chanson. [rien compris XD]

Toshiya: Oui, c’est vrai. Les tons longs soutiennent la base, tandis que les ondulations basses de la basse jouent la mélodie derrière la mélodie principale. Je pense que j’ai pu obtenir le ressenti que j’aime ici aussi.

Comme sur cette chanson, vous semblez avoir deux facettes. Celle où vous ajoutez de la profondeur et du soutien aux guitares d’accompagnement, et celle où vous jouez la mélodie. Comment faites-vous la différence entre les deux?

Toshiya: Bien sûr la basse est un instrument très simple, et bien sûr c’est la partie fondamentale, mais je pense que la basse est aussi un instrument qui peut faire ressortir le meilleur de vous, comme « si vous le voulez, vous pouvez le faire ressortir ». C’est pourquoi je suis conscient d’utiliser différentes gammes et phrases, et je pense que la partie la plus intéressante de cet instrument est qu’il peut produire cette dualité.

Je vois. Avez-vous une sorte de concept pour votre jeu de basse pour chaque chanson?

Toshiya: Ca dépend de la chanson, mais en gros, ma première priorité est d’orienter la chanson dans une direction qui la rende meilleure, et ensuite j’ajoute ma propre saveur et couleur à la ligne de basse dans le processus.

La basse de « Utsutsu, Bouga wo Kurau » est également structurée autour d’un riff court avec une sensation de ressort, qui s’accorde avec le rythme vertical. Il s’agit d’un arrangement inhabituel pour cet album.

Toshiya: C’est vrai. C’est un ressort (rires). Toute la chanson est faite de fines nuances, je voulais donc que le phrasé soit net et clair. C’est de cette façon que j’ai construit les lignes de cette chanson.

Même sur ce genre chanson, votre jeu a une ténacité unique, ce qui je pense, contribue à « l’addiction » unique de la chanson. Quelle était la position de la basse dans l’ensemble que vous souhaitiez atteindre?

Toshiya: Tout d’abord, je pense que c’est un moment intense pour moi (rires). Bon, peut-être que je pense que c’est intense, mais en fait ça s’accumule. Mais j’aime les slides et les glissando, alors je m’efforce de créer une atmosphère dans ces zones. J’aime mettre des slides et des glissando dans l’espace vide, comme si je laissais des traces [comme les traces de ski dans la neige].

Dans « Hibiki » par exemple, j’ai l’impression que la basse est le centre de l’ensemble dès le début, qu’elle est le moteur de l’ensemble, mais même dans cette chanson, il y a de fortes nuances de slide et de glissando.

Toshiya: Oui, j’étais conscient de ces aspects. Dans cette chanson, je voulais que la ligne de basse fonctionne seule, mais le phrasé de la guitare est très détaillé. J’ai donc pensé que l’ensemble des guitares sonnerait mieux si la ligne de basse était simple et grave. Je pense donc que l’inclusion de ces différents éléments s’est combinée pour créer une sensation d’ensemble émotionnelle.

Le solo de basse dans la partie centrale de la chanson est composé avec une valeur de note contrôlée et un son global étendu. Je pense que cette chanson est la plus « orientée vers le chant » de cet album.

Toshiya: Ça change, n’est-ce pas ? Y compris les parties solos, il y a des parties où le groupe ne fait qu’un et d’autres où il faut rester immobile, et j’apprécie ce sentiment de penser au phrasé comme faisant partie du flux global. La basse change en fonction de la façon dont la mélodie se tient, et même l’arrangement change. Mais la partie que nous voulons faire entendre le plus est la mélodie principale de la chanson, donc je pense que les instrumentistes pensent d’abord à la manière de faire sonner cette chanson.

Pouvez-vous nous parler de la basse utilisée pour l’enregistrement de cet album?

Toshiya: Depuis le dernier album, j’utilise DINGWALL pour l’enregistrement. Ce qu’il y a de bien avec DINGWALL, c’est qu’il y a une sensation de hauteur stable et que c’est « sans caractère ». Les instruments Jazzbet, Plebe et Rickenbacker ont leurs propres couleurs distinctives, et de nombreuses personnes les utilisent pour cela. Mais Dingwall n’a rien de tout cela. Mais ça peut aussi produire un son qui convient bien à un groupe au tunning bas comme le nôtre. Je pense que c’est un instrument vraiment merveilleux.

D’ailleurs, quel est votre tunning pour cet album?

Toshiya: La note la plus basse est en A. C’est accordé A/D/A/D/G à partir de la cinquième corde avec la corde basse. C’est pourquoi j’ai besoin d’une bonne hauteur. Avant le DINGWALL, il m’arrivait d’enregistrer une phrase qui sonnait bien, mais dont la hauteur n’était pas suffisante, et que je devais donc rejeter. Depuis le DINGWALL je n’ai plus ce genre de stress. [J’ai fait un peu de basse dans ma vie mais tout ce que je sais globalement de cet instrument c’est que ça fait dong dong, j’ai donc le cerveau qui saigne]

Je pense que le son de la basse dans le métal et le rock lourd de nos jours est en quelque sorte une formule. Mais votre son est tout à fait original, ou plutôt, je sens sa conviction, et je peux dire que c’est votre son en écoutant une seule note.

Toshiya: Pour être honnête, je ne suis pas très conscient de maîtriser mon propre son, mais si je me donne la peine de le faire, je veux laisser derrière moi un son qui soit « le mien et celui de personne d’autre ». Mais je pense que c’est normal d’avoir ce genre d’ego, peu importe ce que vous faites. Bien sûr le jeu est important. Je ne veux pas jouer comme si je m’adaptais à quelqu’un d’autre, je ne veux pas avoir l’air de jouer comme si j’avais une doublure. En vieillissant, on perd peu à peu la capacité de faire preuve d’un tel ego et, d’une certaine manière, on attend de vous que vous coopériez, ou pire, que vous vous laissiez entraîner. Je pense qu’il est important d’être suffisamment souple pour accepter les parties que vous ne reconnaissez pas, mais dans ce contexte c’est moi qui décide si je les accepte ou non. Je pense que c’est bien comme ça.

Merci pour votre très beau message!

Toshiya: Les jeunes d’aujourd’hui ont la vie dure. S’ils font quelque chose qui sort un tant soit peu de l’ordinaire, ils se font critiquer. Je pense que c’est bien d’avoir plus d’individualité. Bien sûr, il est important d’être flexible et de s’adapter aux tendances. Mais je pense que c’est à vous de prendre vos propres décisions.

Eh bien, DIR EN GREY fêtera son 25e anniversaire cette année. Une fois encore, pouvez-vous nous dire comment vous envisagez l’avenir en tant que groupe?

Toshiya: Quand on regarde en arrière, les 25 ans sont passé en un clin d’œil, mais quand nous avons parcouru tout ce chemin, la première chose à laquelle nous pensons est « jusqu’où pouvons-nous aller? ». Nous voulons donc continuer à faire ce que nous voulons faire et ce que nous devons faire, et en même temps, nous sentons qu’après avoir fait cela pendant si longtemps, il ne s’agit plus seulement de nous. Nous avons commencé seulement tous les cinq, mais il y a des employés qui ont été impliqués, et des fans qui écoutent, regardent et acceptent notre musique. Quand on y pense, il ne s’agit pas seulement de nous. En comprenant cela, je pense que notre défi pour l’avenir est de savoir comment nous pouvons réaliser nos egos à notre manière. Pour faire ce que vous aimez, vous devez sacrifier quelque chose.

Enfin, qu’en est-il de vous en tant que bassiste?

Toshiya: Pour être honnête, je n’ai pas vraiment d’idée de ce à quoi je veux ressembler. Je veux juste m’en tenir au style qui me convient en ce moment. Mon style de basse pourrait donc changer à nouveau, ou plutôt, je pense que c’est bien si c’est le cas, tant que je suis satisfait de mon jeu, quel que soit le résultat. C’est tout.

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